作品

“Il viaggio artistico di Horiki parla, fondamentalmente, di una esplorazione filosofica. Horiki usa una imagery significante, un linguaggio figurato”.

“Nei suoi quadri due elementi predominano e colpiscono: i colori e la luminosità. Essi sono perfettamente in simbiosi l’uno con l’altro. Nessuno domina l’altro perché tutto è armonia ed equilibrio.

Horiki usa con una leggera ironia un’immagine spoglia per esprimere concetti elevati. Non rivela direttamente allo spettatore i suoi pensieri. Rothko definiva le sue opere come: “L’espressione semplice di un pensiero complesso”, commento che si può applicare ai lavori di Horiki”.

“L’arte di Horiki è pittura di sintesi e concentrazione, di armonia e silenzio che nasce dalle sue radici orientali. Lo sfondo è dato da infinite velature cromatiche, palpitanti strati di colore che possono uniformarsi nel rosso-violaceo, in tonalità brune o nel chiarore del rosa-bianco. L’artista ha sperimentato molte varianti tonali, senza mai fermare la sua ricerca. La pittura diventa una necessità esistenziale”.

“Già nella Storia della Vera Croce, come ultimamente per l’Odissea, Horiki distilla un discorso informato a una mistica dell’immagine che, al limite, propone l’aniconismo come via per il recupero dell’invisibile, solo così – pare dirci – si potrà impedire che il simbolo stesso della croce si svaluti, cessando di rappresentare un’idea di salvezza per diventare idolo”.

“Non so dire se la pittura di Horiki scaturisca dall’incontro tra la sapiente meditazione orientale e la sensibilità occidentale; se la luce pierfrancescana dei suoi dipinti che, per sua stessa dichiarazione, ne ha mosso la ricerca pittorica, sia frutto di un “incontrare” o di un “ritrovare”. Piero della Francesca gli appartiene, come gli appartiene Odisseo. Le sue tele abitano gli spazi profondi della nostra memoria, del nostro “sapere”, occupano il delicato intervallo fra la commozione e il silenzio, e così facendo dichiarano il loro essere arte.

Nei dipinti di Horiki il tempo è sospeso, non per il manifestarsi del sacro, ma per il superamento della transitorietà. Il narrare non necessita del prima e del dopo, è implicito alla materia pittorica, è luce e colore, e ad essa appartiene l’eterno viaggio di Odisseo, così come il ripetersi del gesto fino all’incontro incantato del vero“.

“Horiki, senza dubbio è riuscito nel suo lavoro a fare una valida interconnessione fra l’attitudine orientale zen per la riduzione all’essenziale delle forme e quella occidentale che ha caratterizzato le ricerche della pittura cosiddetta minimalista o analitica degli anni sessanta/settanta, e cioè fra una concezione filosofica positiva del vuoto e dell’assenza e una tensione verso l’azzeramento dell’immagine, in termini di concreta adesione alla fisicità primaria del processo di realizzazione della pittura”.

“Tra mare e cielo (o, potremmo dire, tra vita e morte) la navigazione di Ulisse procede senza riferimenti, senza conoscenze certe, senza bussola. L’Odissea di cui parla Horiki non è più un libro, è la vita che si ripete uguale, in una recita immutata.

L’immagine non è creata per via di porre, ma per via di levare. Nasce da un alitare leggero del colore, da “velature” sovrapposte: dove col termine “velature” non si intende una tecnica, ma un velo metafisico, un velo di luce che si deposita sulla tela”.